갤러리 서화 전시 | 과거 진행 된 전시 기록

최울가 개인전2024.09.10 - 2024.09.10

이번 서울 드래곤 시티에서 선보이는 전병삼 작가의 시리즈는 행복(happiness), 천국(heaven)과 같은 추상적 개념들의 기표(signifier)를 탐구한다. 사과와 같은 물질적인 객체는 물리적으로 분해해 내부를 관찰할 수 있지만, ‘관념’이나 ‘생각’과 같은 비물질적인 개념들은 그 본질과 내면을 쉽게 들여다볼 수 없다. 전병삼은 이번 시리즈에서 이러한 비물질적 개념을 시각적으로 해체하고, 이를 반으로 가르고 그 사이를 확장하는 방식을 통해 관념의 깊은 본질에 다가가려 한다. 이 과정을 통해 그는 관람객들에게 비가시적인 생각과 감정의 내면을 직관적으로 경험할 수 있는 새로운 시각적 언어를 제시한다.

In his latest exhibition at Seoul Dragon City, Jeon Byung-sam presents the INSIDE Series, which explores signifiers of abstract concepts such as happiness and heaven. While physical objects like apples can be dissected to reveal their inner structures, intangible ideas like thoughts or concepts are far more elusive and difficult to visualize. In this series, Jeon metaphorically splits these intangible signifiers in half and stretches the space in between to emphasize their inner essence. Through this visual exploration, he offers viewers a new way to intuitively engage with the hidden core of thoughts and emotions, creating a fresh language for understanding the invisible dimensions of human experience.

전병삼 작가는 INSIDE 시리즈를 통해 행복, 천국과 같은 추상적 개념의 기표를 탐구한다. 그는 관념을 시각적으로 해체하고 이를 반으로 가른 뒤 확장하는 방식을 사용하여 개념의 본질을 드러낸다. 이를 통해 보이지 않는 감정과 생각의 내면을 직관적으로 경험할 수 있는 새로운 시각적 언어를 제시한다.

Jeon Byung-sam’s INSIDE series explores signifiers of abstract concepts like happiness and heaven. By visually dissecting and expanding intangible ideas, he reveals their inner essence. This approach offers viewers a new visual language to intuitively experience the hidden dimensions of thought and emotion.

“책을 쌓는” 서유라의 작업은 곧 “세월을 쌓는 일”, “내 삶을 채워나가는 일”과 동일한 의미를 가진다. 인간은 본인이 쌓아 올린 것을 허물고 다시 쌓아 올리며 성장한다. 캔버스에 채워 넣은 책들 중 대부분은 다시 허물어야만 하는 과거의 파편들이다. “새로 쌓은 것은 다시금 허물어야 할 것”이라고 작가는 말한다. 작품 속에는 우리에게 익숙한 클래식 콘텐츠들이 눈길을 끈다. 고서들과 클래식 영화들, 옛 아이콘이 되어버린 미키마우스와 덤보, 앨리스, 낡은 시계들의 이미지가 하나의 화면에 종합되어 있다. 이를 통해 작가는 ‘시간의 종합’이라는 철학자와 과학자들의 오랜 과제를 자신의 과제로 삼고 있음을 보여준다. 과거로부터 퍼올린 낡은 것들은 현재적 지평에서 종합되어 마침내 새로운 의미를 얻는다.

Books consistently appear in Seo Yura’s works. The layers of stacked books naturally provoke curiosity in the viewer. What do these overlapping books signify? Just as books accumulate one by one, the artist visually conveys that our lives also build up layer by layer. In essence, Seo’s work is an attempt to explore “the human capacity for synthesis” through the medium of painting. She arranges open and closed books across the entire canvas, creating a spectacular visual scene. Like toy blocks coming together to form a shape, countless books are combined to eventually create a cohesive form. The artist uses this structural relationship as a metaphor for the different facets of life.

“책을 쌓는” 서유라의 작업은 곧 “세월을 쌓는 일”, “내 삶을 채워나가는 일”과 동일한 의미를 가진다. 인간은 본인이 쌓아 올린 것을 허물고 다시 쌓아 올리며 성장한다. 캔버스에 채워 넣은 책들 중 대부분은 다시 허물어야만 하는 과거의 파편들이다. “새로 쌓은 것은 다시금 허물어야 할 것”이라고 작가는 말한다. 이를 통해 작가는 ‘시간의 종합’이라는 철학자와 과학자들의 오랜 과제를 자신의 과제로 삼고 있음을 보여준다. 과거로부터 퍼올린 낡은 것들은 현재적 지평에서 종합되어 마침내 새로운 의미를 얻는다.

Seo Yura’s act of stacking books symbolizes the accumulation of time and the process of filling one’s life. Humans grow by dismantling and rebuilding what they have constructed. Many of the books within her canvases represent fragments of the past that must eventually be broken down. The artist states, “What is newly built must eventually be dismantled again.” Through this, she embraces the long-standing philosophical and scientific challenge of synthesizing time. Old elements retrieved from the past are reassembled in the present, ultimately gaining new meaning.

갤러리 서화에서는 NFT 작품의 선두주자인 전병삼 작가의 개인전을 개최한다. 이번 전시에서는 작가의 대표작인 <모멘트 시리즈>를 비롯해 <코스모스 시리즈>, <언폴드 시리즈> 그리고 다양한 영상 작품까지, 그의 연대기적 작업들을 한 자리에서 감상할 수 있는 자리를 마련하였다. '모멘트 시리즈'는 다양한 이미지를 인화한 후 이를 접고 이어 붙여 제작한 독창적인 작품으로, 시간의 흐름과 소멸의 개념을 시각적으로 표현한다. 이 외에도 전병삼 작가의 실험적이고 혁신적인 작품 세계를 한눈에 볼 수 있는 이번 전시는, 그의 예술적 여정과 진화를 조망할 수 있는 뜻깊은 자리가 될 것이다.

Gallery Seohwa presents a solo exhibition of Jeon Byung-sam, a pioneer in NFT artworks. This exhibition offers a unique opportunity to experience a comprehensive collection of the artist’s work, including his renowned , as well as the <Cosmos Series>, <Unfold Series>, and various video pieces. The <Moment Series> features intricately folded and connected printed photographs, visually exploring concepts of time, transience, and disappearance. Alongside these works, the exhibition highlights Jeon’s experimental and innovative approach to art, providing a rare glimpse into his evolving creative journey.

갤러리 서화에서는 NFT 작품의 선두주자인 전병삼 작가의 개인전을 개최한다. 이번 전시에서는 작가의 대표작인 <모멘트 시리즈>를 비롯해 <코스모스 시리즈>, <언폴드 시리즈> 그리고 다양한 영상 작품까지, 그의 연대기적 작업들을 한 자리에서 감상할 수 있는 자리를 마련하였다. '모멘트 시리즈'는 다양한 이미지를 인화한 후 이를 접고 이어 붙여 제작한 독창적인 작품으로, 시간의 흐름과 소멸의 개념을 시각적으로 표현한다. 이 외에도 전병삼 작가의 실험적이고 혁신적인 작품 세계를 한눈에 볼 수 있는 이번 전시는, 그의 예술적 여정과 진화를 조망할 수 있는 뜻깊은 자리가 될 것이다.

Gallery Seohwa presents a solo exhibition of Jeon Byung-sam, a pioneer in NFT artworks. This exhibition offers a unique opportunity to experience a comprehensive collection of the artist’s work, including his renowned , as well as the <Cosmos Series>, <Unfold Series>, and various video pieces. The <Moment Series> features intricately folded and connected printed photographs, visually exploring concepts of time, transience, and disappearance. Alongside these works, the exhibition highlights Jeon’s experimental and innovative approach to art, providing a rare glimpse into his evolving creative journey.

강렬한 컬러 대비와 함께 추상적인 모티브로 캔버스 위에 붓질의 흔적을 남기는 여성 작가 '이수경'과 한국적 정서를 베이지색 린넨 위에 푸른색의 물감으로 풀어나가는 신진 작가 '이 채'의 2인전이 갤러리 서화에서 열린다. 6월 24일부터 7월 15일까지 진행되는 이번 전시는 서로 다른 컨셉을 가진 두 작가가 만들어내는 미적 앙상블을 만끽할 수 있으며 다양한 신작들도 함께 선보일 예정이다.

An exhibition featuring two artists, Lee Soo-kyung and Lee Chae, will be held at Gallery Seohwa. Lee Soo-kyung, a female artist known for leaving traces of brushstrokes on canvas with abstract motifs and striking color contrasts, presents her work alongside emerging artist Lee Chae, who expresses Korean sentiment through blue pigments on beige linen. Running from June 24 to July 15, this exhibition offers a chance to experience the aesthetic ensemble created by these two artists with distinct concepts, along with a showcase of various new works.

강렬한 컬러 대비와 함께 추상적인 모티브로 캔버스 위에 붓질의 흔적을 남기는 여성 작가 '이수경'과 한국적 정서를 베이지색 린넨 위에 푸른색의 물감으로 풀어나가는 신진 작가 '이 채'의 2인전이 갤러리 서화에서 열린다. 6월 24일부터 7월 15일까지 진행되는 이번 전시는 서로 다른 컨셉을 가진 두 작가가 만들어내는 미적 앙상블을 만끽할 수 있으며 다양한 신작들도 함께 선보일 예정이다.

An exhibition featuring two artists, Lee Soo-kyung and Lee Chae, will be held at Gallery Seohwa. Lee Soo-kyung, a female artist known for leaving traces of brushstrokes on canvas with abstract motifs and striking color contrasts, presents her work alongside emerging artist Lee Chae, who expresses Korean sentiment through blue pigments on beige linen. Running from June 24 to July 15, this exhibition offers a chance to experience the aesthetic ensemble created by these two artists with distinct concepts, along with a showcase of various new works.

사각의 네트워크를 다양하게 변주하여 삶의 진정성(Sincerity) 어린 내면을 보여주는 배삼식 작가의 개인전이 갤러리 서화에서 열린다. 4월 28일부터 5월 22일까지 진행되는 이번 전시는 십여년간 공개되지 않았던 작가의 다양한 부조 회화 작품들을 처음으로 선보이는 전시로, 20여점의 새로운 작품이 구작과 함께 선보이게 된다.

A solo exhibition by artist Bae Sam-sik, who explores sincerity in life through diverse variations of rectangular networks, will be held at Gallery Seohwa. Running from April 28 to May 22, this exhibition will unveil a collection of Bae’s bas-relief paintings that have remained unseen for over a decade. More than 20 new works will be presented alongside his previous pieces.

사각의 네트워크를 다양하게 변주하여 삶의 진정성(Sincerity) 어린 내면을 보여주는 배삼식 작가의 개인전이 갤러리 서화에서 열린다. 4월 28일부터 5월 22일까지 진행되는 이번 전시는 십여년간 공개되지 않았던 작가의 다양한 부조 회화 작품들을 처음으로 선보이는 전시로, 20여점의 새로운 작품이 구작과 함께 선보이게 된다.

A solo exhibition by artist Bae Sam-sik, who explores sincerity in life through diverse variations of rectangular networks, will be held at Gallery Seohwa. Running from April 28 to May 22, this exhibition will unveil a collection of Bae’s bas-relief paintings that have remained unseen for over a decade. More than 20 new works will be presented alongside his previous pieces.

광고와 패션 매거진 사진 1세대로 활약했던 김우영 작가는 뉴욕 SVA (School of Visual Arts)에서 사진을 공부하고 캘리포니아에서 오랫동안 거주하면서 그 곳 특유의 빛과 대자연의 호흡 등을 사진에 담아 왔다. 이번 전시는 머나먼 도시로 장기간의 여행을 떠나는 작가의 시선으로 사유의 태도와 함께 경이로운 색채감을 감상할 수 있는 미국 서부의 긴 여정을 담고 있다. 매년 국내외에서 꾸준한 전시를 이어오고 있는 작가는 이번 전시를 통해 미국 서부 도시의 대담한 구성과 컬러감이 돋보이는 사진 작품들을 선보이며, 코로나 시대의 단조로운 일상에 새로운 힐링을 선사하고 현대인에게 내재된 여행에 대한 향수를 불러일으키고자 한다.

Kim Woo-young, a pioneer in advertising and fashion magazine photography, studied at the School of Visual Arts (SVA) in New York and spent many years in California, documenting its unique light and the rhythm of its vast landscapes. This exhibition presents a long journey through the American West, offering a contemplative perspective and a mesmerizing play of colors, seen through the eyes of an artist embarking on an extended voyage to distant cities. With a consistent presence in exhibitions both in Korea and abroad, Kim Woo-young presents a series of strikingly composed and vividly colored photographs of Western American cities in this exhibition. Through his work, he seeks to offer a sense of healing amid the monotony of the pandemic era while evoking nostalgia for travel deeply embedded in the modern psyche.

김우영 작가는 뉴욕 SVA에서 사진을 전공하고, 캘리포니아의 빛과 자연을 포착해왔다. 이번 전시는 미국 서부의 대담한 구성을 통해 사유적 시선과 색채미를 담아낸다. 현대인의 여행에 대한 향수를 자극하며, 단조로운 일상 속 새로운 치유의 경험을 선사하고자 한다.

Kim Woo-young, a photographer trained at SVA, captures California’s light and landscapes. This exhibition showcases the bold compositions of the American West, blending contemplation with striking color. Through his work, he evokes nostalgia for travel and offers a healing escape from the monotony of daily life.

작품들에는 유럽 여행 중 보고 느꼈던 장소와 인물, 명화에 대한 추억이 많이 녹아 있다. 파리에서 자주 들렀던 셰익스피어 & 컴퍼니 고서점, 잘츠부르크의 모차르트 생가, 빈 미술관에서 만난 화가 벨라스케스와 클림트, 암스테르담 반고흐 미술관에서 만난 아몬드 나무 등이 나에게 깊은 영감을 주었다. 과거에 만난 그림의 추억으로 현재의 그림을 그리고 있으니 이 또한 매력적이지 않은가.

— 서유라 작가노트

Many of my works are infused with memories of places, people, and masterpieces I encountered during my travels in Europe. The Shakespeare & Company bookstore in Paris, which I frequented, Mozart’s birthplace in Salzburg, the works of Velázquez and Klimt at the Vienna Art Museum, and the almond trees I encountered at the Van Gogh Museum in Amsterdam—all of these have deeply inspired me. I am painting the present through the memories of paintings I encountered in the past—isn’t that a fascinating journey in itself?

— From the artist's note by Seo Yura

작품들에는 유럽 여행 중 보고 느꼈던 장소와 인물, 명화에 대한 추억이 많이 녹아 있다. 파리에서 자주 들렀던 셰익스피어 & 컴퍼니 고서점, 잘츠부르크의 모차르트 생가, 빈 미술관에서 만난 화가 벨라스케스와 클림트, 암스테르담 반고흐 미술관에서 만난 아몬드 나무 등이 나에게 깊은 영감을 주었다. 과거에 만난 그림의 추억으로 현재의 그림을 그리고 있으니 이 또한 매력적이지 않은가.

— 서유라 작가노트

Many of my works are infused with memories of places, people, and masterpieces I encountered during my travels in Europe. The Shakespeare & Company bookstore in Paris, which I frequented, Mozart’s birthplace in Salzburg, the works of Velázquez and Klimt at the Vienna Art Museum, and the almond trees I encountered at the Van Gogh Museum in Amsterdam—all of these have deeply inspired me. I am painting the present through the memories of paintings I encountered in the past—isn’t that a fascinating journey in itself?

— From the artist's note by Seo Yura

작가는 차갑고 무거운 철의 감춰진 가벼움과 따뜻함을 끌어내기 위해 다양한 형식을 취하며 그만의 작품세계를 구축해왔다. 그의 작품 안에서 작은 개체들은 한데 모여 큰 형상을 이루고, 서로 다른 이념이 한데 어우르고, 혹은 비슷한 의미의 둘이 만나 전혀 다른 하나의 개념을 만들고, 또는 둘의 만남이 하나가 되어 큰 에너지를 발생시킨다. 작가의 작품에 이리저리 휘고 구부린 철선들은 허공을 뚫고 뻗어가기 시작하고 조용히 퍼져나간 철선들의 움직임은 공간을 장악한다. 그리고 정적이 흐르는 공간을 마치 움직임이란 애초에 없었다는 듯 부동의 상태로 그들만의 공간을 형성한다. 이는 그의 작업에 대한 설명이 아닌 작품 속 철선들에 대한 관찰기록이다. 철선을 사용해 최소한의 선으로 어떠한 형상을 축약 표현하는 그의 작업은 시각적으로 알아볼 수 있는 형태이거나 혹은 암시적인 여러 비정형의 집합으로 이루어져 있다. 이 작품들을 규정하려들자면 드로잉과 조각, 평면과 입체, 회화와 설치의 모든 요소들이 혼합하여 존재한다.

The artist has built his own unique artistic world by exploring various forms to reveal the hidden lightness and warmth of cold, heavy iron. In his works, small individual elements come together to form larger structures, differing ideologies merge harmoniously, two similar meanings converge to create an entirely new concept, or their fusion generates powerful energy. The bent and twisted iron wires in his works pierce through the air, extending outward, while their quiet movements gradually dominate the surrounding space. Eventually, they settle into a state of stillness, forming their own realm as if motion never existed in the first place. This is not a mere description of his process but an observational record of the iron wires within his work. By using minimal lines of iron wire to distill forms into their essence, the artist creates pieces that are either visually recognizable or abstract compositions of amorphous structures. If one were to define these works, they exist at the intersection of drawing and sculpture, two-dimensional and three-dimensional space, painting and installation—blurring the boundaries between disciplines.

작가는 차가운 철의 숨겨진 따뜻함과 가벼움을 드러내기 위해 다양한 형식을 탐구해왔다. 그의 작품에서는 작은 요소들이 모여 큰 구조를 이루고, 서로 다른 개념이 융합되거나 강한 에너지를 만들어낸다. 구부러진 철선들은 공간을 뚫고 확장되며, 정적 속에서 독자적인 영역을 형성한다. 최소한의 선으로 형태를 축약하는 그의 작업은 구체적 형상과 추상적 조형 사이를 오가며, 드로잉·조각·회화·설치의 경계를 허문다.

The artist explores various forms to reveal the hidden warmth and lightness of iron. His works unite small elements into larger structures, merge contrasting ideas, or generate dynamic energy. Bent iron wires extend into space, ultimately settling into stillness and defining their own realm. By distilling forms into minimal lines, his works shift between recognizable shapes and abstract compositions. Blurring boundaries between drawing, sculpture, painting, and installation, his art exists in an interdisciplinary space.

노정란은 이화여자대학교 및 동대학원 서양화과를 졸업하였으며, 미국 롱비치 캘리포니아 주립대학에서 미술 석사를 취득하였다. 작가는 1975년(26세)에 도미하여 19년간의 미국생활을 체험하며, 동서양의 관념 체계를 초월하는 절대적인 이상의 미를 그림과 색채를 통해 추구해왔다. '색놀이-쓸기'연작은 2003년부터 이어온 작업이다. 넓적한 빗자루로 캔버스 위에 색을 쓸어 내리는 행위를 반복하여 색을 켜켜이 쌓아간다. 오랜 작업의 숙련된 행위가 질료의 감각을 통과하며 단순하게 보이는 색으로 표현하고 있는 '색 놀이-쓸기'는 영원과 우주, 정신이라는 내면적 요소가 담긴 미적 본질에 다가가고 있는 작업이다. 그리고 생명의 깊은 곳에 있는 정情을 끌어내고 융합시키는 기운생동의 실천적 작업이기도 하다.

Noh Jung-ran graduated from Ewha Womans University and its graduate school with a degree in Western painting before earning her Master of Fine Arts from California State University, Long Beach. In 1975, at the age of 26, she moved to the United States, where she spent 19 years exploring the pursuit of an absolute ideal beauty that transcends Eastern and Western conceptual frameworks through painting and color. Her series has been an ongoing project since 2003. Using a wide broom, she repeatedly sweeps layers of color across the canvas, gradually building up a rich surface. This act, honed through years of practice, distills the materiality of paint into seemingly simple fields of color. is a meditation on eternity, the cosmos, and the spirit—an approach that seeks to uncover the aesthetic essence embedded within. At the same time, it is a practice of “giun-saengdong”(vital energy in motion), drawing out and harmonizing the deep emotional resonance of life itself.

노정란 작가는 이화여자대학교와 미국 롱비치 캘리포니아 주립대학교에서 서양화를 전공하며 동서양을 아우르는 미학을 탐구해왔다. 2003년부터 이어온 색놀이-쓸기 연작은 넓적한 빗자루로 색을 쓸어내리며 층층이 쌓아가는 과정에서 형성된다. 단순한 색면 속에 물질성과 정신성이 교차하며, 우주와 영원의 본질을 시각적으로 구현한다. 이는 감각과 정서를 융합하는 ‘기운생동’의 미학을 실천하는 과정으로, 색채를 통해 삶의 깊은 울림을 탐색하는 독창적인 조형 언어를 제시한다.

Noh Jung-ran studied Western painting at Ewha Womans University and California State University, Long Beach, developing an aesthetic that bridges Eastern and Western traditions. Since 2003, her Color Play–Sweeping series has employed broad broom strokes to layer pigment, creating surfaces where materiality and spirituality intersect. Through these seemingly minimal color fields, she explores the essence of eternity and the cosmos. This practice embodies the aesthetics of giun-saengdong, harmonizing sensory experience and deep emotional resonance, ultimately establishing a distinctive visual language that engages with the profound rhythms of life.

국대호 작가는 색채 추상을 통해 도시 풍경을 탐구하는 화가다. 프랑스에서 수학하고 국제적 인정을 받았으며, 색채의 본질을 연구하며 '컬러필드' 작업을 발전시켰다. 그는 색채의 미묘한 깊이를 실험하며, 스트라이프·색면 시리즈에서 물감의 질감과 구성을 탐색한다. 또한, 뉴욕과 파리 등 도시 풍경을 초점 흐림 기법으로 재해석한 도시 시리즈로도 유명하다. 이를 통해 객관적 현실을 배제하고 새로운 공간과 시각을 제시하며, 회화의 본질에 대한 질문을 던진다.

Guk Dae-ho is an artist known for his color field abstractions and urban landscapes. A graduate of prestigious French institutions, he gained international recognition after winning the Grand Prize at the Salon de Vitry. His work focuses on exploring the essence of color, leading to his Color Field series, which investigates the limits of human color perception. His Stripes and Color Fields series emphasize the materiality of paint and structured color compositions. His City Series reinterprets urban scenes through blurred-focus imagery, eliminating objective reality and offering a unique spatial perspective.

국대호 작가는 색채 추상을 통해 도시 풍경을 탐구하는 화가다. 프랑스에서 수학하고 국제적 인정을 받았으며, 색채의 본질을 연구하며 '컬러필드' 작업을 발전시켰다. 그는 색채의 미묘한 깊이를 실험하며, 스트라이프·색면 시리즈에서 물감의 질감과 구성을 탐색한다. 또한, 뉴욕과 파리 등 도시 풍경을 초점 흐림 기법으로 재해석한 도시 시리즈로도 유명하다. 이를 통해 객관적 현실을 배제하고 새로운 공간과 시각을 제시하며, 회화의 본질에 대한 질문을 던진다.

Guk Dae-ho is an artist known for his color field abstractions and urban landscapes. A graduate of prestigious French institutions, he gained international recognition after winning the Grand Prize at the Salon de Vitry. His work focuses on exploring the essence of color, leading to his Color Field series, which investigates the limits of human color perception. His Stripes and Color Fields series emphasize the materiality of paint and structured color compositions. His City Series reinterprets urban scenes through blurred-focus imagery, eliminating objective reality and offering a unique spatial perspective.

이번 개인전에 선보이는 김인태의 세라믹 조각은 세라믹의 이중적인 쓰임새와 특성이 어떻게 작가의 이중적인 행보와 만나게 되는지를 보여준다. 브랑쿠시(Brancusi)를 연상시키는 무한대의 기둥이나 일종의 블록을 쌓아 올린 듯이 각각의 unit이 겹쳐 쌓아 올리는 방식은 건축적인 구축의 과정을 연상시킨다. 그것은 매우 견고하고 규칙적인 형태를 만들어내는 세라믹의 특성을 여지없이 보여준다. 도기를 만들어내기 위하여 흙을 튜브처럼 기계에서 짜내고 그 유동적인 형태를 그대로 작가가 사용하고 있다. 그리고 튜브에서 나온 흙들은 무질서하게 쌓여 있으며 흙의 무게를 감당하지 못한 튜브의 중간중간에 금이 가기도 한다. '흙이 숨을 쉰다'는 표현처럼 그 형태는 변화무쌍하며 불완전해 보인다. 이러한 측면에서 이번 전시는 견고하면서도 가변적인 세라믹의 양면적인 속성, 나아가서 실용적이고 규칙적이면서도 다른 한편 기이하고 표현적인 작가의 작업 방식과 태도를 동시에 확인시켜준다.

The ceramic sculptures presented in this exhibition explore how the dual nature of ceramics—both functional and expressive—intersects with the artist’s own dualistic approach. Kim’s works, reminiscent of Brancusi’s “Endless Column” or stacked architectural blocks, emphasize a process of structured construction. This method highlights the inherent qualities of ceramics, which allow for both rigidity and systematic formation. The artist extrudes clay through a machine in tubular forms, utilizing its fluid state as a key element in his creative process. These extruded clay tubes are then stacked in a seemingly chaotic manner, often bearing cracks due to the weight of the material—an organic imperfection that suggests the idea of "breathing clay." The resulting forms appear ever-changing and imperfect, reinforcing the dynamic nature of the medium. This exhibition ultimately underscores the dual characteristics of ceramics: both solid and mutable, functional yet expressive. Furthermore, it reflects the artist’s working method—one that is both structured and experimental, disciplined yet instinctively driven.

김인태의 세라믹 조각은 기능성과 표현성을 동시에 지닌 세라믹의 이중적 특성을 탐구한다. 브랑쿠시의 무한 기둥을 연상시키는 구조적 형식은 건축적 구축 과정을 보여주며, 견고하면서도 유동적인 성질을 강조한다. 기계에서 튜브 형태로 압출된 흙은 무질서하게 쌓이며, 자체 무게로 인해 균열이 생기기도 한다. 이는 ‘숨 쉬는 흙’처럼 변화하는 세라믹의 속성을 반영하며, 규칙성과 즉흥성이 공존하는 작가의 태도를 드러낸다.

Kim In-tae’s ceramic sculptures examine the dual nature of ceramics—both functional and expressive. Reminiscent of Brancusi’s Endless Column, his structured stacking method highlights ceramics’ rigid yet fluid qualities. Extruded clay tubes are stacked irregularly, often cracking under their own weight, evoking the idea of "breathing clay." This interplay of order and spontaneity underscores ceramics’ dynamic nature while reflecting the artist’s structured yet experimental approach.

장희진 작가는 2001년부터 특유의 화면 베이스 만들기와 반전 페인팅의 회화방식을 구사해 왔다. 2002년의 'In Between_사이 공간'이라는 타이틀로 시작한 작가의 작업은, 십수년의 시간이 지나면서 직선요철의 베이스 면이 굴곡진 유려한 라인으로 변모하면서, 'Sound of Wave' 와 'Wind of Tree'등의 시리즈로 이어졌다. "나의 그리기는 나무의 잔가지 사이사이로 비추는 빛의 면적, 즉 사이 공간을 그리는 것이다."라는 작가의 말과 같이, 화면 위에 단순히 이미지를 그려 넣는 전형적인 회화방법이 아닌, 역으로 허공의 부분에 채색을 가하여 이미지를 드러내는 역 페인팅의 방식은 장희진의 유니크한 작화방식으로 화단에 자리매김하였다.

Since 2001, Jang has been developing her distinctive base-making technique and reverse painting method. Her work, which began under the title *In Between* in 2002, has evolved over the years from linear, textured surfaces into more fluid and undulating forms, giving rise to series such as *Sound of Wave* and *Wind of Tree.* As the artist states, "My painting captures the spaces between, the areas of light filtering through the branches of a tree." Rather than simply painting images onto the surface, she employs a reverse painting technique, applying color to the voids and negative spaces to reveal the composition. This unconventional approach has firmly established Jang Hee-jin’s unique artistic identity within the contemporary art scene.

장희진 작가는 2001년부터 독창적인 화면 베이스 기법과 역 페인팅 기법을 발전시켜왔다. 2002년 In Between 시리즈를 시작으로, 직선적 요철에서 유려한 곡선으로 변화하며 Sound of Wave, Wind of Tree 등으로 확장되었다. 그는 나무 사이로 스며드는 빛처럼 허공을 채색해 이미지를 드러내는 방식을 사용하며, 이를 통해 회화의 새로운 조형 언어를 구축해왔다.

Since 2001, Jang Hee-jin has developed a distinctive base-making and reverse painting technique. Beginning with In Between (2002), her work evolved from linear textures to fluid curves, leading to series like Sound of Wave and Wind of Tree. By painting the voids, she reveals forms akin to light filtering through branches, establishing a unique visual language in contemporary painting.